Landschaftsfotografie - Theorie und Tipps, so entstehen tolle Landschaftsaufnahmen

Was macht ein großartiges Landschaftsfoto aus, großartig? Manche schätzen ein Bild wegen der technischen Fähigkeiten des Fotografen oder wegen der Einhaltung bestimmter Regeln. Es ist vielleicht richtig fokussiert und scharf. Es könnte gut belichtet sein und einen großen Dynamikbereich bieten. Manche sehen gerne Führungslinien oder die Drittel-Regel.

Andere finden die Kunst - in all ihren Formen - geheimnisvoll. Das Bild ist großartig, weil es uns mitnimmt, weil es uns etwas fühlen lässt. Aber das ist die Wirkung der großen Kunst, nicht die Ursache.

Das Thema, was ein grossartiges Landschaftsfoto ausmacht, ist eines, mit dem ich mich seit vielen Jahren beschäftige (und das ich immer noch erforsche). In letzter Zeit habe ich festgestellt, dass es ein weit gefasstes Konzept gibt, das viele der Aspekte großartiger Landschaftsfotos umfasst. 

Ein Merkmal, das vielen überzeugenden Landschaftsfotos gemeinsam ist, ist das Konzept der visuellen Übergänge.

Wie bei allem in der Kunst gibt es auch bei der großartigen Landschaftsfotografie keinen Einheitsansatz. Auch sollten Theorien oder Techniken nicht zu present sein und unseren Ausdruck einschränken.

Ich möchte hier das Konzept der Übergänge - in ihren verschiedenen Formen - untersuchen und zeigen, wie ihr diese Theorie praktisch anwenden könnt, wenn ihr das nächste Mal auf dem Feld oder zurück an eurem Schnittplatz seid.

Groß-Klein-Übergänge

Wie oft habt ihr schon gehört, dass 'Fotografie Geschichten erzählt'? In der Landschaftsfotografie setzen wir oft Vordergrundelemente ein oder komponieren die Szene so, dass sie sich auf die Umgebung bezieht. Und warum? Um die Szene zu bereichern, die wir mit unserem Publikum kommunizieren.

Wenn wir unsere Kameras direkt auf einen großen Wasserfall oder einen kühnen Sonnenuntergang richten, ist das großartig, aber das ist nur eine hübsche Momentaufnahme. Es ist schön anzuschauen, aber selten wird es unsere Aufmerksamkeit fesseln. Um das zu tun, müssen wir die reichere Geschichte der Szene erzählen. In einem einzigen statischen Rahmen ist das zwar eine anspruchsvolle Aufgabe, aber umgebende Elemente - wie üppige Farne oder schroffe Felsen - können der Szene eine tiefere Bedeutung verleihen.

Diese kontextuellen Elemente tragen dazu bei, die Aufmerksamkeit zu lenken, den Betrachter durch das Bild zu führen und von nah (groß) zu fern (klein) überzugehen.

 

Hell-Dunkel-Übergänge

Wie Führungslinien und die Drittel-Regel verwenden viele Landschaftsfotografen Vignetten und Ausweichen/Verbrennen. Warum? Unsere Augen werden von leuchtenderen, helleren Bereichen angezogen.

Indem wir die Ränder eines Bildes abdunkeln, driften wir zu helleren Bereichen in der Bildmitte. Anstatt eine ovale Standardvignette über das Bild zu legen, untersucht die Peripherie eurer Szene. Vielleicht gibt es einen hellen Laubfleck in der Ecke oder einen hellen Himmelsausschnitt am oberen Bildrand. Dann könnt ihr versuchen, diese helleren Bereiche selektiv abzudunkeln, um den Augen des Betrachters zu helfen, im Bild zu bleiben und nicht zur Peripherie zu wandern. Oft verdunkle ich meinen Vordergrund mit einem Gradienten, der allmählich in einen helleren Berggipfel oder Wasserfall übergeht.

Ebenso hilft das Ausweichen und Verbrennen, den Eindruck von Tiefe in einem ansonsten zweidimensionalen Bild zu verstärken. Berücksichtigt die natürliche Richtung des Lichts und achtet darauf, diesen Übergang von Licht zu Schatten in der Nachbearbeitung zu verstärken und so den Lichteinfall zu gestalten. Da ich oft Meereslandschaften bei Sonnenaufgang fotografiere, weiche ich der Seite der Felsen aus, die der Sonne zugewandt ist, und brenne die Seite weg vom Morgenlicht.

Der Schlüssel ist hier die Subtilität. Übergänge von dunkel nach hell müssen nicht von schwarz nach weiß gehen. Aber ich ermutige euch, auf die Leuchtkraft in euren Bildern zu achten. Erwägt, das Licht um euer Hauptmotiv zu erhöhen und um die weniger auffälligen Merkmale herum zu verringern - das ist eine großartige Technik, um unordentliches, ablenkendes Unterholz in Waldszenen zu verstecken.

 

Kalt-Warm-Übergänge

Das Sonnenlicht ist warm (sowohl in der Temperatur als auch im Weißabgleich), während Schattenbereiche oft einen kühleren Farbton haben. Wie bei den Übergängen von dunkel zu hell neigen kühlere Bereiche dazu, in das Bild zurückzutreten, während wärmere Bereiche tendenziell aus dem Bild herauskommen.

Es ist ganz einfach, diese natürliche Farbtrennung in der Nachbearbeitung zu verbessern, lassen Sie sich nur nicht zu sehr mitreißen. Versucht mit Hilfe von Luminanzmasken in Photoshop (oder einer Luminanzbereichsmaske in Lightroom) die helleren Bereiche aufzuwärmen und die Schatten abzukühlen (mit dem Modul "Split Toning" in Lightroom wird ebenfalls ein ähnlicher Effekt erzielt). Diese Trennung zwischen hell und dunkel hilft, eine größere Tiefe im Bild zu erzeugen. In einer Waldszene könnt ihr zum Beispiel die weniger wichtigen Bereiche des Unterholzes abkühlen und die helleren Farnwedel erwärmen, damit sie besser aus der Szene "herausspringen" können. 

Bei der Vielfalt der Farbkombinationen in der Landschaftsfotografie gibt es weder ein allgemein gültiges Modell, noch gibt es nur eine einzige Möglichkeit, einen bestimmten Effekt zu erzielen. Der beste Ansatz zur Verfeinerung der Farbe besteht darin, zu experimentieren und dann die Wirkung kritisch zu überprüfen. Hat die Abkühlung des gesamten Bildes dazu beigetragen, eine bestimmte Stimmung zu erreichen? Hat das Hinzufügen von Wärme zum Motiv dazu beigetragen, dass es stärker hervorsticht?

Und wie bei den traditionellen leichten Vignetten gilt auch für die Farbvignetten ein ähnliches Konzept. Da unsere Aufmerksamkeit in einer Szene in Richtung der wärmeren Bereiche wandert, könnt ihr sich dafür entscheiden, die Peripherie abzukühlen, um zu verhindern, dass der Betrachter aus dem Foto herausgezogen wird.

Schlussbemerkungen

Nicht jedes Bild braucht oder passt auch nur zu dem oben skizzierten Übergang. Ein leuchtendes High-Key-Bild, wie z.B. ein Baum im Schnee, wird visuell von hellen Bereichen in der Peripherie bis zu den dunkleren Baumzweigen verarbeitet. Aber es lohnt sich, darauf zu achten, wie Größe, Licht und Farbübergänge die Wahrnehmung unserer Bilder beeinflussen.

Ebenso gehen die Übergänge über die drei oben erforschten hinaus. Scharfe bis weiche Übergänge können auch verwendet werden, um die Wahrnehmung Ihres Bildes zu verbessern. Die Schärfe verblasst natürlich, je weiter ein Motiv entfernt ist - schaut euch sich beim nächsten Wandern einfach entfernte Bergketten an. Wenn ihr euren Vorder- und Mittelgrund scharf eingestellt habt, entscheidet euch sich vielleicht nicht dafür, ein auf Unendlich fokussiertes Bild aufzunehmen, sondern spiegelt stattdessen diesen natürlichen Schärfeübergang wider. Ebenso könnt ihr beim Schärfen für das Web Sonnenaufgangswolken von der endgültigen Schärfung ausschließen, um mehr Aufmerksamkeit auf den schärferen Vordergrund zu lenken und das Auge des Betrachters von nah bis fern zu lenken.

All diese Techniken können dem Betrachter helfen, mehr Zeit mit der Betrachtung eurer Arbeit zu verbringen und wirken sich direkt auf die Verarbeitung eurer Bilder aus. Welche Elemente erhalten mehr Aufmerksamkeit? Welche sekundären Elemente können verstärkt werden, um Kontext zu bieten und das Thema einprägsamer zu machen?

Über den Verfasser: Mitch Green ist ein australischer Landschaftsfotograf. Man kann ihn über seine Website, auf Instagram oder unten am Strand um 5 Uhr morgens beim Warten auf den Sonnenaufgang finden.

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